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La Maestá di Ognissanti de Giotto

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Galería Uffizi.org

MGuatyMarrero

Este gran retablo pintado por Giotto en 1310 aprox., es un hito importante en la historia del arte. Fue pintada para la iglesia florentina de Ognissanti (todos los santos), de ahí el nombre.

Antes de Giotto, la pintura estaba aún atada al estilo bizantino y a sus esquemas arcaicos. Las figuras a menudo eran rígidas, bidimensionales y carentes de participación afectiva. Giotto rompe con esta tradición revolucionando el modo de pintar y de representar a los hombres. Sin Giotto no habría podido nacer este movimiento cultural, filosófico y artístico que hoy todos llamamos Renacimiento.

Por primera vez en la historia de la pintura occidental la Virgen y el Niño aparecen inseridos en un espacio bien definido, lo que da una idea de un ambiente real. María está sentada en un trono que parece haber sido diseñado con una perspectiva en mente, transmitiendo la idea de un entorno real. Los pliegues en los vestidos delinean el volumen de los cuerpos. Las figuras son verdaderas, más humanas no se representan en manera plana como si fueran marionetas (aunque lo son). Basta observar los ángeles en primer plano que cantan en manera realista, o la mano de la Virgen que sujeta al niño como una verdadera madre lo haría.

El estilo de Giotto representa una verdadera innovación en la manera de pintar hecho hasta entonces. Aunque algunos elementos  todavía recuerdan los métodos tradicionales, como el fondo de oro o la jerarquía de las figuras (la Virgen y el Niño más grandes mientras los ángeles en comparación son más pequeños), el nuevo valor dado a las figuras humanas y a su reporte con el espacio circundante, hacen de esta obra un ejemplo importante del nuevo curso de la pintura del siglo XIV.

Si bien la perspectiva de Giotto era intuitiva, no científica como aquella desarrollada en el siglo XV, la revolución que tiene lugar durante los próximos cien años y conocido como Renacimiento se debe en gran parte a este gran maestro.

La Maestà di Ognissanti de Giotto se encuentra en la Sala 2 de Giotto y el siglo XIII.

Vermeer

No son muchos los datos que tenemos de la vida de Vermeer y su entorno familiar. Sabemos que su abuelo materno, Balthasar Claesz. Gerrits era relojero y participó en un negocio de falsificación de moneda que llevó a la muerte a dos de sus cómplices, consiguiendo Balthasar huir primero a La Haya y después a Gorinchen, donde vivió sin ser perseguido. Su padre, Reyner Janszoon Vos, había nacido en 1591, posiblemente en Amberes, trasladándose a los 20 años a Amsterdam para especializarse en el tejido de la seda.
 Se casó en 1615 con Digna Baltens y al poco tiempo se instalaron en Delft, donde alquilaron una hostería de nombre «Vos» -el zorro, en referencia a su apellido-, sin abandonar los trabajos de tejedor. También se dedicó al comercio de objetos artísticos, por lo que ingresó en el gremio de San Lucas de la ciudad. Hacia 1625 Reyner utilizaba ya el apellido Vermeer Jan Vermeer fue bautizado en Delft el 31 de octubre de 1632 como segundo hijo y único varón del matrimonio. Cuando el pequeño tiene nueve años, sus padres adquieren la hostería «Mechelen», situada en una zona privilegiada de Delft, en el norte del Marktvelde, contando entre sus clientes con la burguesía distinguida de la ciudad.

Entre estos clientes se encuentran también un buen número de artistas como Balthasar van der Ast o Pieter Groenewengen, contactos que serán decisivos para la formación del joven pintor.

Sin embargo, no disponemos de ningún documento que haga referencia al aprendizaje de Jan. Sólo conocemos que el 29 de diciembre de 1653 era admitido como maestro en el gremio de San Lucas de Delft.

Los estatutos exigían un periodo de aprendizaje de seis años de duración con uno de los artistas reconocidos por la «guilda», por lo que se barajan diversas hipótesis sobre quién fue su maestro. Algunas opiniones apuntan a Leonaert Bramer (1594-1674) aunque las diferencias estilísticas son mayores que las razones que les unen.

La mayoría de los expertos apuntan a Carel Fabritius como el pintor que dirigió el aprendizaje de Vermeer, ya que Fabritius se instaló en Delft en 1650, ingresando en el gremio de San Lucas dos años más tarde. En algunos documentos de la época se hace referencia a Jan como el sucesor de Fabritius, dato en el que se basan los especialistas para afirmar la existencia de este aprendizaje.

Jan contrae matrimonio el 20 de abril de 1653 con Catharina Bolnes, en Schipluy, pequeño pueblo cercano a Delft. Catharina era hija de Maria Thins, mujer que disfrutaba de una aceptable posición económica, que en un primer momento se opuso al matrimonio, tanto por razones financieras como religiosas, ya que ella y su familia profesaban el catolicismo mientras que los Vermeer eran calvinistas. Algunos expertos han apuntado a que Jan se convirtió al catolicismo para contraer matrimonio con Catharina, dato que no está documentado. Los recién casados se instalaron en un primer momento en la pensión «Mechelen» pero siete años después se trasladaban a la casa de Maria Thins, sita en el barrio católico, en Oude Langendijk.

Las situación económica de los Vermeer parece bastante buena ya que no presenta dificultades para alimentar a sus quince hijos, aunque cuatro de ellos fallecieran a edad temprana. Los especialistas consideran que Jan no sólo vivía de los ingresos de la pintura, ya que no ejecutaba más de dos obras al año. Se apunta a la regencia de la hostería como segunda actividad, a pesar de no estar documentado, e incluso al comercio de obras de arte, siguiendo también el negocio familiar.

Su prestigio social llegará a su punto culminante cuando sea elegido síndico del gremio de San Lucas en 1662, cargo que también ocupó ocho años más tarde. Maria Thins, la suegra de Vermeer, tenía también una más que aceptable posición económica al obtener importantes rentas de sus inmuebles, fincas de labranza y los créditos que concedía. Un inventario notarial de 1676 da cuenta de una amplia lista de ropa, pinturas, muebles y objetos de uso doméstico, aludiendo a las once habitaciones de la casa en la que habita, casa que era compartida con los Vermeer. El pintor y su familia vivían en las habitaciones inferiores, habilitando las superiores como estudio, donde se ubicaba la maciza mesa de roble que aparece en muchas de sus telas.

El conocimiento del arte manifestado por Jan le valió el encargo de verificar una colección de cuadros italianos -entre los que se incluían varios supuestos trabajos de Miguel Angel y Rafael– vendidos a Friedrich Wilhelm, Gran Elector de Brandeburgo, por el marchante Gerard Uylemburgh.

Vermeer viajó a La Haya en 1672 para impugnar las atribuciones a los grandes genios del Renacimiento, declarando que la colección valdría una décima parte de lo solicitado por el marchante.

Ese mismo año de 1672 estalla la guerra entre Francia y las Provincias Unidas, al penetrar Luis XIV con un ejército de 100.000 hombres en los Países Bajos. La defensa holandesa pasaba por abrir sus diques de contención, lo que provocará la ruina de los propietarios de tierras y una crisis generalizada.

Vermeer empieza a vender cada vez menos cuadros y el negocio de la hostería decae hasta el punto de tener que alquilarla por 180 florines anuales. En 1875 Jan hace un viaje a Amsterdam para solicitar un crédito de 100 florines. Su propia mujer alude a la situación del pintor: «Por esta razón -la guerra contra Francia- y a causa de los grandes gastos ocasionados por los niños, que él ya no podía afrontar, cayó en un estado de melancolía tan profundo y sus fuerzas le abandonaron hasta tal punto, que en el plazo de día y medio cayó enfermo y murió». Jan Vermeer era enterrado el 15 de diciembre de 1675 en el panteón familiar de la Oude Kerk de Delft, dejando once hijos menores de edad y a una viuda en una pésima situación financiera, por lo que Catharina Bolnes hubo de solicitar ante el Tribunal Supremo de La Haya la renuncia de su herencia a favor de sus acreedores y la gestión de sus bienes.

Antoni van Leeuwenhoek era nombrado administrador de los bienes de los Vermeer. El 24 de febrero del año siguiente, Catharina vendía uno de los dos cuadros que poseía de su esposo: el Arte de la pintura.

En 1688 Catharina Bolnes fallecía sin poder contemplar la venta de la mayoría de los cuadros de su esposo, celebrada en una subasta en 1696, alcanzando precios muy elevados como los 200 florines por la Vista de Delft o los 150 florines de la Tasadora de perlas.

MGuatyMarrero

Arte Románico

MGuatyMarrero

Llamamos arte románico a toda aquella producción artística generada en los países de Europa Occidental durante los siglos XI y XII.
Se trata de un arte lleno de espiritualidad, fruto de la combinación armónica de diversas influencias como la romana, prerrománica, bizantina, germánica, árabe, etc.
Los diferentes estilos fueron evolucionando hacia uno sólo, muy homogéneo, con características casi idénticas en todos los países.

Dos hechos de importancia social y religiosa fueron relevantes para el desarrollo de este arte:

Por un lado, nos encontramos con el fenómeno popular que se extendió en la época de las largas peregrinaciones a Santiago de Compostela, Roma y Jerusalén.

Por otro, la influencia de las órdenes religiosas a través de las nuevas reformas. La primera que se llevó a cabo fue la del monasterio benedictino de Cluny, en Francia, expandiéndose por Europa.

La mayoría de construcciones románicas fueron realizadas gracias a las generosas aportaciones de reyes y nobles, así como con los impuestos agrarios. Esto ayudó a incrementar en gran medida el patrimonio y poder material de la Iglesia, mientras que los nobles buscaban así la salvación de su alma.
Además de edificios religiosos, se construyeron fortificaciones militares para refugio y defensa, como también obras civiles. Estas últimas, se debió en gran parte al aumento en el paso de personas hacia los lugares de culto.

De forma tradicional, se atribuyen una serie de características generales al estilo románico, como son la solidez de la construcción, gran anchura de muros para poder resistir las fuerza y tensiones de la estructura, el uso del arco de medio punto y la bóveda de medio cañón, tendencia a la horizontalidad frente a la verticalidad del gótico, etc.

Su origen monacal lo convierte en una manifestación artística profundamente religiosa, a través de la cual se invita, a los fieles, a la meditación, al recogimiento y a la oración como medio de acercamiento a Dios.

Loa parte más atractiva de este arte es la combinación de formas arquitectónicas, siendo de gran equilibrio y elegancia, dada su sencillez, sentido de la simetría y el orden y la utilización de escultura de una extraña belleza, muy alejada de los cánones clásicos.

El arte románico en España es tan solo una variedad regional del estilo arquitectónico, escultórico y pictórico de los siglos XI, XII y principios del XIII, que se desarrolló en Europa.

Historia del Arte.net

A 125 años de la muerte de Van Gogh

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El afamado pintor Vincent Van Gogh murió el 29 de julio de 1890 a los 37 años de edad. El genial artista holandés, despreciado en vida, se disparó en el pecho aquejado de una fuerte depresión que le ocasionaba «una gran desesperación y alucinaciones». Sin embargo, no murió hasta dos días después de la mortal herida que se causó. Este año se cumplen 125 años de la desaparición de uno de los grandes genios de la pintura postimpresionista.

Van Gogh, considerado uno de los padres del movimiento postimpresionista, contrariamente a lo que se piensa,  realizaba cuadros con el único fin de venderlos. La Vigne Rouge (1888) fue vendida por 400 francos a Anne Boch, artista belga. Tras ser incautada por Stalian en 1918, esta pintura se encuentra en el Pushkin Museum de Moscú.

De la vida personal del artista se sabe que nunca se casó, pero sí que tuvo varias relaciones conflictivas. Por ejemplo, con Kee Vos, su prima, una relación a la que los padres de ella se opusieron. Algo parecido le ocurrió en Londres, donde se enamoró de una joven de 19 años, hija de su casera, que no quiso consentir la relación. Carolina Haanebeek y Margot Begeman también fueron otros de los amores del genial pintor de los Países Bajos, uno de los grandes referentes de la historia de la pintura.

Uno de los grandes misterios acerca de la personalidad del famoso pintor holandés fue su oreja. Mientras unas versiones aseguran que fue el propio Van Gogh el que se cortó la oreja en un ataque de locura, otras teorías apuntan a que en una pelea con su amigo Paul Gauguin, el francés le cortó la oreja con su sable mientras el holandés lo expulsaba de su casa. De hecho, en alguna carta entre ellos Van Gogh afirma: «Mantente callado y yo también lo haré».

El artista guardaba una relación muy estrecha con su hermano menor Theo, que falleció apenas siete meses después de la desaparición del genial pintor aquejado de una sífilis que se agravó con la depresión tras la muerte de Vincent. Ambos reposan juntos en el cementerio de Auvers-sur-Oise

Nota- Europa Press:10. ¿QUIÉN MATÓ A VAN GOGH?

Aunque durante más de un siglo se ha tenido por cierto que Van Gogh se suicidó disparándose un tiro de pistola esta tesis también se vio contestada en 2011, cuando los biógrafos Steven Naifeh y Gregory White Smith, ganadores del premio Pulitzer, señalaron que habría sido asesinado por un adolescente. El libro de estos investigadores, ganadores del premio Pultizer, se llama ‘Van Gogh, la vida’.

Europa Press.

MGuatyMarrero para Cjaronu

“Out of Many, One”, Cuban-American artist Jorge Rodriguez-Gerada

The Smithsonian National Portrait Gallery has commissioned Cuban-American artist Jorge Rodriguez-Gerada to create a six-acre portrait on the National Mall in Washington DC. The “facescape,” was created out of 2,000 tons of sand, 800 tons of soil and 8 miles of string. It is so large, that it can be viewed from space.

Titled “Out of Many, One”

Jorge Rodríguez-Gerada is a Cuban-American Contemporary Artist. Born February 5, 1966, Cuba, he grew up in the United States. Rodríguez-Gerada predominantly creates his work in urban spaces on a large scale. As a founding member of the early ‘90s New York Culture Jamming movement first with the group ‘Artfux’ and later with the ‘Cicada Corps of Artists’, Rodríguez-Gerada launched interventions upon billboards and public advertising. By 1997 he was beginning move towards working solo. In 2002 Rodríguez-Gerada moved to Barcelona and focused on the large-scale ephemeral charcoal drawings of his Identity Series. He then developed the Terrestrial Series; ephemeral earthworks so expansive as to be visible from space. Other ongoing projects include the Identity Composite Series, and smaller artworks he calls Urban Analogies, and Memorylythics.

Wikipedia

You Tube

MGuatyMarrero para CJaronu

Arte en el Convento

PPS de Arte