Archivo de la categoría: Arte

Colores y fantasías de Lidia Orosa

Autor: Lidia Orosa

Título: Gato escondido-

En una explosión de colores y movimientos, Lidia nos presenta su última pintura  modernista, ¿con un toque de Cubismo?.

MGUATYMARRERO

13938517_10210580010405284_2733999589103092114_n

Baco de Caravaggio

http://www.uffizi.org/es/obras-de-arte/baco-de-caravaggio/

Síntesis

MGUATYMARRERO

Michelangelo Merisi Da Caravaggio (1571-1610) se ha convertido en uno de los pintores más apreciados en el siglo XXI. A una pintura magistral se une una vida intensa y polémica: fue un genio incomprendido, un loco violento, un hombre atormentado y un triste perseguido. Finalmente, cansado de huir, los últimos años de su vida los pasó buscando un perdón que entonces se le negaba y que ahora, a cuatro siglos de su muerte, parece haber obtenido.

Caravaggio fue el enfant terrible de la pintura italiana barroca, maestro de la pintura tenebrosa y del claro/oscuro. Pocos autores han gritado tan fuerte con los pinceles su propio conflicto personal. Aunque no haya dejado más que una cuarentena de pinturas, cada una de ellas revela una visión muy personal del arte, una lucha interior, un debate entre luz y oscuridad, y un espíritu innovador capaz de mezclar en una misma escena santidad divina y miseria humana.

Su pintura: Baco (Bacco en italiano) conservado en los Uffizi, comisionado por su protector el Cardenal del Monte, como regalo para el Gran Duque de Toscana Ferdinando I, pintado entre 1596 y 1597.

En esta obra, Baco no es representado en manera idealizada como en el pasado. Al contrario podría parecerse a un joven de pueblo, uno de esos personajes con los que Caravaggio solía frecuentar las tabernas y los prostíbulos. Como en la mayoría de sus obras, aquí también el paisaje está ausente: el interés del artista es de hecho destacar la humanidad de los personajes en vez de los detalles superfluos. Su elección en representar sujetos populares, toscos, torpes y sin gracia le trajo muchas críticas durante su vida.

Baco esta retratado en pose y sostiene una copa de vino con la mano izquierda, casi como si fuera una imagen reflejada en el espejo. De hecho Caravaggio utilizaba un complejo sistema de espejos para retratar sobre sus lienzos, como una primitiva técnica fotográfica. Excepcional es el uso hábil del color y de la técnica del oleo: el efecto de increíble realismo en la representación del cesto de fruta, la tez del joven y la transparencia en la copa de vino, dio como resultado un nuevo enfoque al arte.

Una restauración reciente ha revelado que en el interno de la jarra de vino existe un pequeño retrato del artista, que observandola detenidamente se puede ver.

Poco convencional, introspectivo, y un verdadero rebelde, Caravaggio se centra en el ser humano, con sus imperfecciones y limitaciones de su naturaleza mortal.

Su manera pintar revolucionó para siempre el curso de la historia del Arte

Picture of the day

Interior of a Restaurant, June-July 1887. Oil on canvas, 45.5 x 56.5 cm. Kröller-Müller Museum, Otterlo.

MGUATYMARRERO

13466348_1137103236355484_5683287735794532375_n

Feliz cumpleaños Gustav Klimt

gustav-klimt 1

 

 Gustav Klimt:

Fecha de la muerte: 6 de febrero de 1918, Viena, AustriaPintor austriaco. Fue la figura más representativa del modernismo pictórico (Jugendstil) en el mundo de habla alemana. Se formó en la escuela de artes aplicadas de su ciudad natal y triunfó como autor de grandes pinturas decorativas en un estilo de corte academicista, del que constituyen un buen exponente las pinturas de la escalera del Museo de Historia del Arte de Viena.

En 1897, su interés por el arte de vanguardia lo llevó a abandonar la Asociación de Artistas Vieneses y a fundar, con algunos amigos, la famosa Secesión Vienesa, de la que fue el primer presidente y máximo exponente. Las pinturas murales alegóricas para la Universidad de Viena, en las que se advierte ya un evidente cambio de estilo, suscitaron duras críticas, por lo que el artista abandonó el encargo antes de finalizarlo (las que había concluido las destruyó un incendio en 1945).

Como consecuencia de este episodio, ya no volvió a recibir encargos oficiales, pese a lo cual realizó gran cantidad de telas, en primer lugar paisajes plasmados con una concepción muy peculiar de la perspectiva y en los que predominan las tonalidades verdes, y después, sobre todo, figuras femeninas, que constituyen lo más conocido y valorado de su producción.

En estas obras supo combinar el realismo del retrato con un decorativismo extremo en los fondos y los vestidos, en los que predominan los tonos amarillos y dorados y los motivos inspirados en las alas de mariposa o las colas de pavo real. Destacan, entre otras muchas obras, El beso, Salomé y Judith I, imbuidas todas ellas de una sensualidad palpable. El Osterreichische Museum de Viena conserva una excelente colección de su pintura.

MGUATYMARRERO

The most important new art museum in North America is not in the U.S., but in Mexico

The Dallas Morning News- Read more

MGuatyMarrero

 Larger than the Dallas Museum of Art and conceived not as a static display of a permanent collection, the new museum is, at its core, experiential. It is about engaging viewers of different types — with extensive and learned labels in multiple languages for older visitors, loads of computer-driven devices for millennials and glorious objects arranged in an utterly theatrical manner appropriate for a baroque museum. The museum’s walls are all undulating white concrete curves, and works of art hang from the ceiling, sit on the floor, scale newly built walls and fill vitrines of every possible type and character.

Opening to huge acclaim in Mexico and nary any in ours, the Museum of the International Baroque in Puebla is unique — there is simply nothing like it in any other city or country.

Why baroque, and what kind of baroque? The simplest answer is that Puebla is the largest and best-preserved baroque city in the Americas. (Note: There are none in the U.S.) This was recognized by UNESCO, and the central part of the old city is now a UNESCO World Heritage Site, whose buildings and facades are carefully protected. The City of the Angels, Puebla de los Angeles, is as different from our Los Angeles as two places can be. Founded in 1531, Puebla de los Angeles was the first planned city of the New World, preceding New Haven and Philadelphia, the United States’ first planned cities, by more than a century. Its greatest period of international importance was 1600-1800, the age of the baroque in Europe, and it had America’s first public library, the Biblioteca Palafoxiana, founded in 1646 and opened to this day.

Yet, if Puebla was a baroque city, it became, after World War II, one of the most modern and industrial cities of Mexico, the manufacturing center for Volkswagen Mexico and, soon, Audi, all the while carefully preserving the architecture and institutions of its urban core. That fact is recognized in the creation of the Museum of the International Baroque. Designed by Pritzker Prize-winning Japanese architect Toyo Ito,

What is more amazing is that it had no collection to act as its core, but borrowed key works from public and private lenders in Europe and Latin America, which were added to a small group of works that it acquired outright. Toyo Ito, its distinguished architect, was so stunned by the pace and quality of the work that he told his patrons that nothing of this scale and importance could have been erected so quickly in his own nation, Japan, since the 17th century, in which autocratic rulers could simply decree completion.

Who knows what is next? Gauthier, Frank Stella, art nouveau, surrealism, neo-baroque, the Maya, Hindu India — all spring to mind. Fortunately, Puebla is a two-and-a-half-hour nonstop flight from Dallas, and the museum’s restaurant is one of the best in the culinary capital of Mexico. All in all, three stars out of three.

La Maestá di Ognissanti de Giotto

  • ognissanti-giotto

Galería Uffizi.org

MGuatyMarrero

Este gran retablo pintado por Giotto en 1310 aprox., es un hito importante en la historia del arte. Fue pintada para la iglesia florentina de Ognissanti (todos los santos), de ahí el nombre.

Antes de Giotto, la pintura estaba aún atada al estilo bizantino y a sus esquemas arcaicos. Las figuras a menudo eran rígidas, bidimensionales y carentes de participación afectiva. Giotto rompe con esta tradición revolucionando el modo de pintar y de representar a los hombres. Sin Giotto no habría podido nacer este movimiento cultural, filosófico y artístico que hoy todos llamamos Renacimiento.

Por primera vez en la historia de la pintura occidental la Virgen y el Niño aparecen inseridos en un espacio bien definido, lo que da una idea de un ambiente real. María está sentada en un trono que parece haber sido diseñado con una perspectiva en mente, transmitiendo la idea de un entorno real. Los pliegues en los vestidos delinean el volumen de los cuerpos. Las figuras son verdaderas, más humanas no se representan en manera plana como si fueran marionetas (aunque lo son). Basta observar los ángeles en primer plano que cantan en manera realista, o la mano de la Virgen que sujeta al niño como una verdadera madre lo haría.

El estilo de Giotto representa una verdadera innovación en la manera de pintar hecho hasta entonces. Aunque algunos elementos  todavía recuerdan los métodos tradicionales, como el fondo de oro o la jerarquía de las figuras (la Virgen y el Niño más grandes mientras los ángeles en comparación son más pequeños), el nuevo valor dado a las figuras humanas y a su reporte con el espacio circundante, hacen de esta obra un ejemplo importante del nuevo curso de la pintura del siglo XIV.

Si bien la perspectiva de Giotto era intuitiva, no científica como aquella desarrollada en el siglo XV, la revolución que tiene lugar durante los próximos cien años y conocido como Renacimiento se debe en gran parte a este gran maestro.

La Maestà di Ognissanti de Giotto se encuentra en la Sala 2 de Giotto y el siglo XIII.