Archivo de la categoría: Arte

La dama del vestido verde.

La dama del vestido verde.

Bartolomeo Veneto - Ritratto Di Gentildonna--

Gentil Donna – by Bartolomeo Veneto- Retrato de dama con vestido verde-

Timken Art Gallery – San Diego, California, EE.UU.). Sus mangas abullonadas, desde el hombro hasta el codo y más cerca del codo a la muñeca, se llamarían mangas gigot en la década de 1830. Estas mangas estaban de moda en los 1510s. Su vestido se ve demasiado grande para ella,  puede estar usando un rodillo trasero para ensanchar la falda.

Bartolomeo Veneto,  fue discípulo de Gentile Bellini en Venecia y estudió las novedades de Durero, quien estaba en dicha ciudad hacia 1506. Bartolomeo trabajó a partir de 1505 en la corte de los Este, en Ferrara. Durante esta etapa su pintura se vuelve más decorativa, y comienza a especializarse en el retrato. En 1520 fue a Milán, ciudad donde gozó de fama y donde recibió múltiples e importantes encargos. Sus obras más conocidas son retratos de medio cuerpo de hombres jóvenes adinerados, sus composiciones se destacan por la meticulosidad y detallismo con que están pintadas las telas y los distintos detalles decorativos de las vestiduras. En el Retrato de Ludovico Martinengo en la National Gallery de Londres de 1530, se percibe cómo la obra de Bartolomeo adquiriere sus últimos años un mayor sentido del volumen, profundidad y movimiento.1

Recientemente se ha sugerido que Veneto colaboró con Rafael Sanzio en el mural de La misa de Bolsena, de las Estancias del Vaticano (Estancias de Rafael). Entre sus obras más destacadas, sobresale el Retrato de hombre con sable de la Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma (Palacio Barberini), antaño atribuido a Leonardo da Vinci y Hans Holbein el Joven. Las figuras del caballero y el soldado visibles en el paisaje están copiadas de un grabado de Durero de 1496.

Otro Retrato de hombre se conserva en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, y sobre todo es relevante el supuesto Retrato de Lucrecia Borgia, del Instituto Städel de Fráncfort del Meno, no sólo por la presunta identidad de su modelo, sino también por su audaz desnudo y su refinamiento artístico.

MGUATYMARRERO

Muere en México la Señora Presidenta

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Muchas horas de carcajadas que disfrutamos con esta obra, que cada año agregaba algo,nuevo según los acontecimientos políticos del país en ese momento. Descanse en paz el gran Gonzalo Vega. MGUATYMARRERO

En el texto original la obra no incluía temas políticos, la gente pensaba que hablaba de ello por el título, así que decidió hablar y burlarse del presidente en turno, y así lo ha hecho a lo largo de cinco sexenios, “nunca recibí ningún reclamo y creo que todos los presidentes fueron a ver la obra”. 20 años en cartelera.

El actor Gonzalo Vega falleció este lunes a los 69 años de edad, fue un actor de cine, teatro y televisión.

Inició su carrera actoral en el año de 1968, destacando sus actuaciones de 1986 junto a Diana Bracho en la telenovela “Cuna de lobos”, en la faceta teatral estuvo sobre el escenario cerca de 20 años con el éxito de la obra de teatro “La Señora Presidenta”. 

Con dicho montaje Vega dio vida a los gemelos “Martín” y “Martina”, cuyos personajes provocaba alegría del público que abarrotaba las salas de teatro.

Se retiró de la actuación el año 2010 debido a que se le detectó una enfermedad llamada preleucemia.

  • El actor nació en la Ciudad de México el 29 de noviembre de 1946 y es padre de las actrices, Zuria Vega y Marimar Vega.

EL ALMA DE LA ROSA,

EL ALMA DE LA ROSA

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The Soul of the Rose (o My Sweet Rose)
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Óleo sobre lienzo
Colección privada
John William Waterhouse fue un pintor británico prerrafaelista. De entre todas sus obras, una de mis favoritas, es sin duda ésta: “El alma de la rosa” de 1908. Al igual que con otras de sus obras, esta pintura está inspirada en un poema de Alfred Lord Tennyson
.
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El poema en cuestión cuenta la historia de una mujer y sus pensamientos hacia el amor perdido. Uno de los versos del poema dice: “…y el alma de la rosa entró en mi sangre” y es ése el momento que Waterhouse utiliza para mostrar a esta hermosa mujer.

Hay siempre en sus obras un gran sentido de la sensualidad, ya sea a través de la piel de sus mujeres o simplemente su aspecto delicado. El anhelo de un amor invisible es el tema clave en el alma de la rosa.La posición de la mujer en esta época comenzó a tomar cierto protagonismo. Fue durante la Inglaterra victoriana cuando comenzaron a ser políticamente activas y pudieron acceder al voto, derechos de los que habían sido privadas previamente.

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Waterhouse parece fascinado por la idea de una mujer poderosa pero sobria al mismo tiempo y eso es lo que yo veo claramente en esta obra, una mujer que, como la rosa, puede florecer hasta en las condiciones más duras y mantener intactas, pese a todo, su fuerza y su belleza.MGUATYMARRERO

David tiene los tobillos débiles

El David de Miguel Angel es sometido a trabajos de limpieza y mantenimiento – EFE
S. TAUS – ABC_Cultura Madrid

 

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El diario New York Times publicó la semana pasada un extenso reportaje de Sam Anderson titulado «Los Tobillos del David: como las imperfecciones podrían echar abajo la estatua más perfecta». El texto, del que se ha hecho eco la prensa italiana, ponía sobre aviso acerca del grave riesgo en el que se encuentra el David de Miguel Ángel. Esta emblemática escultura, situada desde 1873 en la Galería de la Academia en Florencia (Italia) podría desmoronarse, según el artículo, en cualquier momento si se viese expuesta a algún leve temblor provocado por el tráfico circundante, las obras en el subsuelo de la ciudad o incluso la leve réplica de un seísmo como el que tuvo lugar ayer en la localidad italiana de Amatrice. El patrimonio artístico de la humanidad se encuentra en riesgo de perder una de sus principales obras y las medidas para evitar esta tragedia se ven interrumpidas, como acusa Sam Anderson, por la «negligencia» de las autoridades competentes.

La fragilidad del David, en contra de lo que podría pensarse, no se debe al maltrato de los años, al bárbaro que en 1991 arremetió contra él martillo en mano, ni a los más de tres siglos que pasó expuesto a la intemperie en la Piazza della Signoria (donde ahora hay una réplica). La causa de la delicadeza de esta inmensa figura de 5, 17 metros de altura y 5.572 kilos de peso se debe a un pequeño error de su creador. El centro de gravedad de la escultura se encuentra ligeramente desviado, lo que provoca que el peso de la escultura recaiga demasiado en ciertos puntos de su anatomía que, después de 512 años, han terminado por resentirse.

La fragilidad de la estatua fue objeto de estudio de un equipo de geocientíficos italianos en 2014. Tras una rigurosa investigación en la que trabajaron con varias réplicas de arcilla de la obra, concluyeron que el grado de deterioro del mármol de las piernas y rodillas era demasiado alto. Una inclinación de tan solo 15 grados sería capaz de causar el desmoronamiento de la escultura. Además las vibraciones a las que se ve sometida constantemente provocan su debilitamiento. En las extremidades inferiores del David ya han aflorado pequeñas grietas observables a simple vista, que son síntoma de la sobrecarga a la que se ven sometidas.

01 de julio de 2000

MGuatyMarrero-  Estudio de algunas obras de Renoir  

     “Dos hermanas” o  “en la terraza”

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Anatomía, Óleo

Moderno-Impresionista

Impresionista clásico Francés

Pintado en 1881-mide 1.80cms

Se encuentra en el Art Institute, Chicago

 

Vuelve a reunir en este cuadro las dos tendencias históricas características de su obra,

El estilo impresionista presente en el lago esfumado del fondo, las pinceladas cortas y los colores de un follaje que parece crujir, el trazo confuso de los elementos en el canasto que permite que el observador los interprete como quiera ¿acaso son flores que las muchachas han recogido?, ¿ o son frutas para una ligera merienda? ¿o son bolas de hilo que la mayor ha hilvanado ayudada por las manitas de la menor? Finalmente los colores alegres y brillantes del primer plano al centro, que van desde el blanco en la blusa de la pequeña hasta el negro azuloso en el vestido de la mayor, pasando por el rojo intenso (rojo tiziano)  del tocado, todo ello muy Impresionista.

Por otro lado se nota el estilo clásico  que usaba Renoir   en la precisión del dibujo en ambas figuras  agudizándose más en las caras, la perspectiva del barandal y la profundidad de la escena logrado con el adecuado manejo de planos, luces y tonos.

Esta obra fue pintada cuando el artista tenía 40 años y a solo cuatro meses de que naciera su primer hijo, en una época en que era muy popular por los retratos infantiles que realizaba  para sus compradores, por la ingenuidad y dulzura que imprimía en los rostros de los infantes.

Trabajo realizado para la Clase de Historia del Arte. México. DF

Colores y fantasías de Lidia Orosa

Autor: Lidia Orosa

Título: Gato escondido-

En una explosión de colores y movimientos, Lidia nos presenta su última pintura  modernista, ¿con un toque de Cubismo?.

MGUATYMARRERO

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Baco de Caravaggio

http://www.uffizi.org/es/obras-de-arte/baco-de-caravaggio/

Síntesis

MGUATYMARRERO

Michelangelo Merisi Da Caravaggio (1571-1610) se ha convertido en uno de los pintores más apreciados en el siglo XXI. A una pintura magistral se une una vida intensa y polémica: fue un genio incomprendido, un loco violento, un hombre atormentado y un triste perseguido. Finalmente, cansado de huir, los últimos años de su vida los pasó buscando un perdón que entonces se le negaba y que ahora, a cuatro siglos de su muerte, parece haber obtenido.

Caravaggio fue el enfant terrible de la pintura italiana barroca, maestro de la pintura tenebrosa y del claro/oscuro. Pocos autores han gritado tan fuerte con los pinceles su propio conflicto personal. Aunque no haya dejado más que una cuarentena de pinturas, cada una de ellas revela una visión muy personal del arte, una lucha interior, un debate entre luz y oscuridad, y un espíritu innovador capaz de mezclar en una misma escena santidad divina y miseria humana.

Su pintura: Baco (Bacco en italiano) conservado en los Uffizi, comisionado por su protector el Cardenal del Monte, como regalo para el Gran Duque de Toscana Ferdinando I, pintado entre 1596 y 1597.

En esta obra, Baco no es representado en manera idealizada como en el pasado. Al contrario podría parecerse a un joven de pueblo, uno de esos personajes con los que Caravaggio solía frecuentar las tabernas y los prostíbulos. Como en la mayoría de sus obras, aquí también el paisaje está ausente: el interés del artista es de hecho destacar la humanidad de los personajes en vez de los detalles superfluos. Su elección en representar sujetos populares, toscos, torpes y sin gracia le trajo muchas críticas durante su vida.

Baco esta retratado en pose y sostiene una copa de vino con la mano izquierda, casi como si fuera una imagen reflejada en el espejo. De hecho Caravaggio utilizaba un complejo sistema de espejos para retratar sobre sus lienzos, como una primitiva técnica fotográfica. Excepcional es el uso hábil del color y de la técnica del oleo: el efecto de increíble realismo en la representación del cesto de fruta, la tez del joven y la transparencia en la copa de vino, dio como resultado un nuevo enfoque al arte.

Una restauración reciente ha revelado que en el interno de la jarra de vino existe un pequeño retrato del artista, que observandola detenidamente se puede ver.

Poco convencional, introspectivo, y un verdadero rebelde, Caravaggio se centra en el ser humano, con sus imperfecciones y limitaciones de su naturaleza mortal.

Su manera pintar revolucionó para siempre el curso de la historia del Arte